https://aleph.edinum.org:443/11036 Numéros fr dim., 10 mars 2024 12:12:13 +0100 ven., 06 déc. 2024 07:23:26 +0100 https://aleph.edinum.org:443/11036 0 https://aleph.edinum.org:443/11425 From paintings by artists such as Sleiman Mansour and Nabil Anani, verses of poetry by writers like Mahmoud Darwish and Samih Al-Qasim, to melodies of voices like Marcel Khalife and Fairouz, Palestinian resistance has been able to firmly defy oblivion and persist in the face of erasure ever since the ‘Nakba’ of 1948. But painting, poetry, and music, ultimately rendered esoteric by cultural and language barriers, need a more ubiquitous and universal vessel to propel their cause into worldwide scale and exposure: visual storytelling. ‘Le Septième Art’ or cinema, the globally unifying language of sight and sound, is known to be not only a tool of entertainment but also a means of political manifestation. Being so, this paper delves into the pivotal role of the ‘Cinema of Falasteen’ as a tool of resistance and safeguarding of cultural identity in the face of political and cultural suppression. Through an analysis of key Palestinian films and documentaries—both in content and form—this study aims to examine how Palestinian filmmakers have utilized cinematic expression to challenge dominant narratives and propaganda, confronting the complexities of occupation and displacement by creating a balanced relationship between politics and aesthetics. Most notably, this research seeks to highlight the power of cinema as a form of creative activism and survival of the Palestinian people against the retelling of history. من خلال لوحات فنانين مثل سليمان منصور ونبيل أناني، وأبيات شعر من كتّاب مثل محمود درويش وسميح القاسم، إلى لحن أصوات مثل مارسيل خليفة وفيروز، تمكنت المقاومة الفلسطينية من تحدّي النسيان بقوة والمضي قدمًا في مواجهة الاستمرار في الاختفاء منذ 'النكبة' في عام 1948. لكن، تحتاج الرسم والشعر والموسيقى، التي أصبحت في النهاية باهتة بسبب الحواجز الثقافية واللغوية، إلى وسيلة أكثر انتشارًا وعالمية لدفع قضيتها إلى مستوى عالمي وتعزيز عرضها؛ وهذه الوسيلة هي السرد السينمائي. "الفن السابع" أو السينما، لغة الصوت والصورة العالميّة الموحِّدة، لا تُعرف كأداة للترفيه فقط ولكن كوسيلة للتظاهر السياسي أيضا. وبهذا، تتناول هذه الورقة البحثية الدور الحيوي لـ "سينما فلسطين" كأداة للمقاومة وللحفاظ على الهوية الثقافية في وجه التضييق السياسي والثقافي. من خلال تحليل أفلام ووثائقيات فلسطينية رئيسية - سواء من حيث المضمون أو الشكل - تهدف هذه الدراسة إلى فحص كيف استخدم السينمائيون الفلسطينيون التعبير السينمائي لتحدي الرأي العام والدعاية، مواجهين تعقيدات الاحتلال والتشريد من خلال إقامة علاقة متوازنة بين السياسة والفن. وبشكل بارز، يسعى هذا البحث إلى إبراز قوة السينما كشكل من أشكال النشاط الإبداعي وكوسيلة لبقاء الشعب الفلسطيني قويا ضد محو هويته وتغيير تاريخه. Des peintures d'artistes tels que Sleiman Mansour et Nabil Anani, des vers de poètes tels que Mahmoud Darwich et Samih El-Qasim, aux mélodies de voix comme Marcel Khalife et Fairouz, la résistance palestinienne a su défier fermement l'oubli et persister face à l'effacement depuis la « Nakba » de 1948. Cependant, la peinture, la poésie et la musique, finalement rendues ésotériques en raison de barrières culturelles et linguistiques, ont besoin d'un vecteur omniprésent et universel pour propulser leur cause à l'échelle mondiale et accroître leur exposition ; le récit visuel. Le Septième Art ou cinéma, le langage unificateur de l’image et du son, est connu non seulement comme un outil de divertissement, mais aussi comme un moyen de manifestation politique. À ce titre, cet article explore le rôle crucial du « Cinéma de Falasteen » en tant qu'outil de résistance et de préservation de l'identité culturelle face à la répression politique et sociale. À travers une analyse de films et documentaires palestiniens clés - tant sur le fond que sur la forme - cette étude vise à examiner comment les cinéastes palestiniens ont utilisé le cinéma pour remettre en question les récits dominants et la propagande, en affrontant les complexités de l'occupation et du déplacement en créant une relation équilibrée entre la politique et l'esthétique. Plus particulièrement, cette recherche cherche à mettre en lumière le pouvoir du cinéma en tant que forme d'activisme créatif et moyen de survie du peuple palestinien face à la réécriture de l'histoire. ven., 05 avril 2024 20:18:56 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11425 https://aleph.edinum.org:443/11517 Film is a cultural form with natural quasi-fictional qualities. The observational quality of visual arts, such as photography and cinema, grants them a sense of credibility. Films are meant to provoke, to expose, and investigate. No matter the genre, films have a propensity for recreating realities and framing the struggles of the people. Arab cinema seems to carry a militant essence due to the mold it was forged in. Lebanese and Palestinian filmmakers tend to use the cinematic medium to incarnate the past, the present and times yet to come. Nadine Labaki`s Capernaum (2018), and Elia Suleiman`s It Must Be Heaven (2019) offer visually rich cinematic fabrics as a response to middle eastern crises and their transcendence. The cinematic language in both films artfully articulates the central themes, from societal concerns tackled in Capernaum which serves as a commentary on a brutal reality, to It Must Be Heaven which raises questions about displacement, attachment, and belongingness. An eclectic shot-by-shot analysis aims to assess the extent to which the cinematic language in both films has carefully orchestrated an expressive content that is efficiently verbose. الفيلم هو شكل ثقافي ذو صفات طبيعية شبه خيالية. إن جودة الملاحظة للفنون البصرية، مثل التصوير الفوتوغرافي والسينما، تمنحهم مصداقية. تهدف الأفلام إلى الاستفزاز والكشف والتحقيق. بغض النظر عن النوع، تميل الأفلام إلى إعادة انشاء الحقائق وتأطير كفاح الناس. السينما العربية تحمل جوهراً نضالياً بسبب القالب الذي تشكلت فيه. يميل المخرجون اللبنانيون والفلسطينيون إلى استخدام الوسيط السينمائي لتجسيد الماضي والحاضر والأزمنة القادمة. يقدم فيلم " كفرناحوم" (2018) لنادين لبكي، و" إن شئت كما في السماء" (2019) لإيليا سليمان، انسجة سينمائية غنية بصريًا كرد فعل على أزمات الشرق الأوسط وتجاوزها لمحيطها. تعبر اللغة السينمائية في كلا الفيلمين ببراعة عن المواضيع الرئيسية، بدءًا من الاهتمامات المجتمعية التي تم تناولها في " كفرناحوم " والتي تعد بمثابة تعليق على واقع وحشي، إلى " إن شئت كما في السماء" التي تثير أسئلة حول النزوح والارتباط والانتماء. يهدف التحليل الانتقائي للقطة تلو الأخرى إلى تقييم مدى تنسيق اللغة السينمائية في كلا الفيلمين بعناية لمحتوى تعبيري فعال. Le cinéma est une forme culturelle dotée de qualités naturelles quasi-fictionnelles. La qualité d'observation des arts visuels, comme la photographie et le cinéma, leur confère un sentiment de crédibilité. Les films sont censés provoquer, exposer et enquêter. Quel que soit le genre, les films ont tendance à recréer des réalités et à retracer les luttes des peuples. Le cinéma arabe semble porteur d’une essence militante en raison du moule dans lequel il a été forgé. Les cinéastes libanais et palestiniens ont tendance à utiliser le médium cinématographique pour incarner le passé, le présent et les temps à venir. Capharnaüm (2018) de Nadine Labaki, et C'est ça le Paradis (2019) d'Elia Suleiman offrent des tissus cinématographiques visuellement riches en réponse aux crises du Moyen-Orient et à leur transcendance. Le langage cinématographique des deux films articule astucieusement les thèmes centraux, depuis les préoccupations sociétales abordées dans Capharnaüm qui sert de commentaire sur une réalité brutale, jusqu'à C'est ça le Paradis qui soulève des questions sur le déplacement, l'attachement et l'appartenance. Une analyse éclectique plan par plan vise à évaluer dans quelle mesure le langage cinématographique des deux films a soigneusement orchestré un contenu expressif qui est efficacement verbeux. lun., 15 avril 2024 09:20:54 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11517 https://aleph.edinum.org:443/11732 This article examines the representation of women in Italian fascist cinema, focusing specifically on two works by the renowned director Mario Camerini: "Le Rotaie" and "Il Signor Max." By combining film analysis with historical and cultural contextualization, the study explores how these films articulate the tensions between modernity and tradition in the portrayal of women. The article highlights the cinematic techniques used by Camerini to depict women within the political and ideological framework of Italian fascism. It demonstrates how Italian fascist cinema constructed and disseminated specific genre ideologies during this tumultuous period of Italian history. Women, in this context, are utilized as propaganda tools to promote fascist ideals, which often appear contradictory. This contradiction is exemplified in the selected corpus through the concepts of the "new woman" and the "traditional woman." Ultimately, the protagonists in these films come to realize that the only solution to save themselves and restore their mental and social equilibrium is to return to traditional values such as family and marriage. This underscores the archetype of the Italian fascist woman, who is expected to fulfill the roles of a housewife, a devoted wife, and a nurturing mother. هذا المقال يفحص تمثيل النساء في السينما الفاشية الإيطالية، مركزًا بشكل خاص على عملين من إخراج المخرج الشهير ماريو كاميريني: "لو روتاي" و "إيل سينور ماكس". من خلال دمج تحليل الفيلم مع التوصيف التاريخي والثقافي، تستكشف الدراسة كيفية تعبير هذه الأفلام عن التوترات بين الحداثة والتقاليد في تصوير النساء. يسلط المقال الضوء على التقنيات السينمائية التي استخدمها كاميريني لتصوير النساء ضمن الإطار السياسي والأيديولوجي للفاشية الإيطالية. يظهر كيف بنت السينما الفاشية الإيطالية ونشرت أيديولوجيات الأنواع اللأعلى خلال هذه الفترة الصعبة من التاريخ الإيطالي. تُستخدم النساء في هذا السياق كأدوات للدعاية لتعزيز الأفكار الفاشية، والتي في كثير من الأحيان تظهر كمتناقضة. تُوضح هذه التناقضات في الجسم المختار من خلال مفاهيم "المرأة الجديدة" و "المرأة التقليدية". في نهاية المطاف، يدرك الأبطال في هذه الأفلام أن الحل الوحيد لإنقاذ أنفسهم واستعادة توازنهم العقلي والاجتماعي هو العودة إلى القيم التقليدية مثل الأسرة والزواج. ويؤكد هذا على نموذج المرأة الفاشية الإيطالية، التي من المتوقع أن تؤدي أدوار ربة البيت والزوجة المخلصة والأم المحبة. Cet article examine la représentation des femmes dans le cinéma fasciste italien, en se concentrant spécifiquement sur deux œuvres du célèbre réalisateur Mario Camerini : "Le Rotaie" et "Il Signor Max". En combinant l'analyse cinématographique avec la contextualisation historique et culturelle, l'étude explore comment ces films articulent les tensions entre modernité et tradition dans la représentation des femmes. L'article met en évidence les techniques cinématographiques utilisées par Camerini pour dépeindre les femmes dans le cadre politique et idéologique du fascisme italien. Il montre comment le cinéma fasciste italien a construit et propagé des idéologies de genre spécifiques pendant cette période tumultueuse de l'histoire italienne. Les femmes, dans ce contexte, sont utilisées comme outils de propagande pour promouvoir les idéaux fascistes, qui apparaissent souvent comme contradictoires. Cette contradiction est illustrée dans le corpus sélectionné à travers les concepts de la "nouvelle femme" et de la "femme traditionnelle". Finalement, les protagonistes de ces films réalisent que la seule solution pour se sauver et rétablir leur équilibre mental et social est de retourner aux valeurs traditionnelles telles que la famille et le mariage. Cela souligne l'archétype de la femme fasciste italienne, qui est censée remplir les rôles de femme au foyer, d'épouse dévouée et de mère attentionnée. lun., 29 avril 2024 10:57:05 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11732 https://aleph.edinum.org:443/11756 Metropolis is a science-fiction and silent film written by Thea von Harbou and directed by Fritz Lang. Originally premiered in 1927, the film footage remained missing for many years until its discovery and reassembly in Buenos Aires, Argentina in 2008. The restored version portrays the tumultuous fate of Freder, the son of the all-powerful businessman Fredersen, within a highly industrialized city. The film mainly deals, in a dystopian manner, with the devastating mechanisms of highly utilitarian societies and sheds light on the challenges posed by a largely rationalized, fascist regime in a pre-World War II context. Fritz Lang’s Metropolis delves into a “semiotics of ‘Loss’” (Grayson/Scheurer 2021: 43) featuring transhumanist aspects, which are constitutive parts of an illusionary teleology of total control over human nature. All these narrative elements articulate simultaneously the critical discourse of the Austrian film director. They vividly highlight totalitarian ideologies in a visionary and allegorical manner, exposing their control and power mechanisms (cf. Foucault 1966/2005: 414), which constitute the main subject of the present article. The aim is to deconstruct utilitarian myths as ideology (cf. Rosen 2003: 42) and discourse of power as well. متروبوليس هو فيلم خيال علمي صامت من تأليف ثيا فون هاربو وإخراج فريتز لانغ. عُرض الفيلم لأول مرة في عام 1927، واختفى لسنوات عديدة قبل أن يُعاد اكتشافه وإعادة تمثيله في بوينس آيرس، الأرجنتين، في عام 2008. تصوّر النسخة المرممة المصير المضطرب لفريد، ابن رجل الأعمال فريديرسن صاحب النفوذ الكبير، في مدينة صناعية عالية المستوى. يتناول الفيلم بطريقة هادفة وبائسة الآليات المدمرة للمجتمعات النفعية للغاية. كما يسلط الضوء على التحديات التي يفرضها النظام الفاشي العقلاني إلى حد كبير في سياق ما قبل الحرب العالمية الثانية. يغرق فيلم فريتز لانغ "متروبوليس" للمخرج فريتز لانغ المشاهد في عالم ميكانيكي من خلال سيميولوجيا الهلاك (غرايسون/شورير2021: 43)، حيث يتميز الفيلم بجوانب ما بعد الإنسانية التي تشكل عناصر مكونة لغائية وهمية للسيطرة الكاملة على الطبيعة البشرية. كل هذه السرديات تعبر في الوقت نفسه عن الخطاب النقدي للمخرج النمساوي. فهي تسلط الضوء على الأيديولوجيات الشمولية بطريقة رؤيوية ومجازية، وتفضح آليات السيطرة والسلطة فيها (فوكو 1966/2005: 414)، وهو المحور الرئيسي لهذا المقال. ويهدف إلى تفكيك الأساطير النفعية كأيديولوجيات (روزن3 200: 42 ) وخطابات السلطة. Metropolis est un film muet de science-fiction initialement écrit par Thea von Harbou et réalisé par Fritz Lang. Présenté pour la première fois en 1927, le film a disparu pendant de nombreuses années avant d'être redécouvert et recomposé à Buenos Aires, en Argentine, en 2008. La version restaurée dépeint le destin tumultueux de Freder, le fils du puissant homme d'affaires Fredersen, au sein d'une ville hautement industrialisée. Le film traite de manière significative et dystopique des mécanismes dévastateurs des sociétés hautement utilitaristes. En outre, il met en lumière les défis posés par un régime fasciste largement rationalisé dans le contexte d'avant la Seconde Guerre mondiale. Metropolis de Fritz Lang plonge le téléspectateur dans une mécanique sémiologique dite de « la perdition » (voir Grayson/Scheurer 2021: 43), en mettant en scène des aspects transhumanistes en tant qu’éléments constitutifs d'une téléologie illusoire de contrôle total de la nature humaine. Tous ces narratifs articulent simultanément le discours critique du réalisateur autrichien. Ils mettent en lumière les idéologies totalitaires de manière visionnaire et allégorique, en en exposant les mécanismes de contrôle et de pouvoir (Foucault 1966/2005: 414), ce qui constitue le principal objet de réflexion du présent article. Ce dernier vise également à déconstruire les mythes utilitaires en tant qu'idéologie (Rosen 2003: 42) et discours de pouvoir. lun., 29 avril 2024 12:00:23 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11756 https://aleph.edinum.org:443/11774 This paper examines the misrepresentations of Arabs and Muslims in Hollywood movies focusing on the film The Dictator as a case study. Through a deconstruction of the movie’s portrayal of the characters and scenes, this paper focuses on the problematic stereotypes and caricatures that Western popular media (Hollywood) perpetuate. These misrepresentations are not only biased but also harmful and destructive contributing to negative attitudes towards worldwide Arab and Muslim populations and the escalation of Islamophobia. By scrutinizing how The Dictator reinforces these stereotypes, this paper sheds light on and helps understand the effect of anti-Arab and anti-Muslim sentiments on audiences. L’article si présent examine la présentation déformée de l’image des Arabes et des Musulmans par les films d’Hollywood, notamment Le Dictateur (2012), produit par Larry Charles. À travers la déconstruction des images des personnages et des scènes du film, cet article met l’accent sur la problématique des stéréotypes et des caricatures que les médias occidentaux (Hollywood) propagent. Non seulement ces présentations déformées portent préjudice, mais aussi elles sont destructives et elles contribuent à la propagation d’attitudes négatives contre les Arabes et les Musulmans dans le monde, et aussi à l’intensification de l’Islamophobie. À travers l’examen des manières dont Le Dictateur renforce ces stéréotypes, cet article a permis d’éclaircir l’impact des sentiments anti-arabe et Anti-musulman sur le public. تتناول هذه المقالة التمثيل المسيء للعرب و المسلمين في أفلام هوليوود من خلال دراسة فيلم الديكتاتور(2012) للمخرج لاري تشارلز. من خلال دراسة تفكيكية لشخصيات و مشاهد الفيلم تسلط الضوء هذه المقالة على الصور النمطية و الكاريكاتوريات التي تقوم وسائل الإعلام الغربية (هوليوود) بتخليدها. هذه التمثيلات المسيئة ليست متحيزة و حسب بل ضارة و مدمرة باعتبار أنها تساهم في نشر سلوك و فكر سلبي، وتصاعد الايسلاموفوبيا ضد المجتمعات العربية و الإسلامية في كل أنحاء العالم.عن طريق فحص الآليات التي يقوممن خلالها فيلم الديكتاتور بتعزيز هذه الصور النمطية، فان هذه المقالة تسلط الضوء و تساهم في فهم تأثير الإحساس/ الفكر المناهض للعرب و المسلمين على المشاهد. lun., 29 avril 2024 18:14:49 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11774 https://aleph.edinum.org:443/11829 The 2008 election of Barack Obama as the first black president in American history was described as a historic moment and a “quantum leap in the racial progress of the United States” (Los Angeles Times, November 5, 2008). Obama’s victory influenced reflections on race relations, questions on the legacies of slavery, and calls for social and political movements to advance the lives of black Americans. The latter marked a return of slavery to popular culture. Filmmakers went back to the days of slavery and emphasized its cruelty, violence, and exploitative nature. Among these films was Steve McQueen’s 12 Years a Slave (2013). McQueen noted that traces of slavery are still present in America and are evidenced by the black prison population, poverty, poor education, and mental health problems in the black community. These issues needed a platform “and that platform for me as an artist was cinema,” declared McQueen (“12 Years A Slave” Was A Film That “No One Was Making,” NPR magazine). This paper will discuss the film’s direct ties to the contemporary political and social circumstances of African Americans, arguing that 12 Years a Slave portrayed the complexities of the institution of slavery and, in doing so, defined the complexity of contemporary race relations in the Obama era. إنتخاب باراك أوباما سنة 2008 كأول رئيس أسود فالتاريخ الأمريكي وصف بأنه لحظة تاريخية و “ قفزة نوعية في تاريخ العلاقات العرقية فالولايات المتحدة ”. كما أثر فوز أوباما على العلاقات العرقية وأثار عدة تساؤلات حول إرث العبودية، وأدى إلى مناداة لحركات سياسية واجتماعية لتطوير وضعية الأفارقة السود. هذا الأخير أدى إلى عودة موضوع العبودية إلى الشاشة. عاد صانعو الأفلام إلى أيام العبودية وركزوا على طبيعتها العنيفة والاستغلالية. من بين هذه الأفلام هناك فيلم 12 عاماً من العبودية لستيف ماكوين) 2013. ( وأشار ماكوين أن آثار العبودية مزالت موجودة في أمريكا و تتجلى في : النسبة العالية للمساجين السود، الفقر، سوء التعليم و مشاكل الصحة النفسية في مجتمع السود بأمريكا. كانت هذة القضايا بحاجة إلى منصة “ وهذة المنصة بالنسبة لي كفنان، كانت السينما ” قال ماكوين. سيناقش هذا المقال الروابط المباشرة للفيلم مع الظروف السياسية والإجتماعية المعاصرة للأمريكيين من أصل إفريقي مبرزًا الحجة أن الفيلم صور تعقيدات تاريخ العبودية وبهذا يحدد درجة تعقيد العلاقات العرقية المعاصرة في عهد الرئيس أوباما. L’élection de Barack Obama en 2008 en tant que premier président noir de l’histoire américaine a été décrite comme un moment historique et un « saut quantique dans le progrès racial des États-Unis » (Los Angeles Times, 5 novembre 2008). La victoire d’Obama a influencé les réflexions sur les relations raciales, les questions sur les héritages de l’esclavage et les appels à des mouvements sociaux et politiques pour faire avancer la vie des Noirs américains. Ce dernier a marqué le retour de l’esclavage dans la culture populaire. Les cinéastes sont retournés à l’époque de l’esclavage et ont souligné sa cruauté, sa violence et sa nature d’exploitation. Parmi ces films figurait « 12 Years a Slave » (2013) de Steve McQueen. McQueen a noté que les traces de l’esclavage sont toujours présentes en Amérique et sont mises en évidence par la population carcérale noire, la pauvreté, le manque d’éducation et les problèmes de santé mentale dans la communauté noire. Ces questions avaient besoin d’une plate-forme « et cette plate-forme pour moi en tant qu’artiste était le cinéma », a déclaré McQueen. Cet article discutera des liens directs du film avec les circonstances politiques et sociales contemporaines des Afro-Américains, en faisant valoir que « 12 Years a Slave » dépeint les complexités de l’institution de l’esclavage. mer., 01 mai 2024 20:57:24 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11829 https://aleph.edinum.org:443/12680 This study examines the representation of women in Algerian TV drama through a comprehensive analysis combining both qualitative and quantitative methods. A sample of ten episodes from the Algerian drama series Al-Khawa 2 was randomly selected and subjected to content analysis. The study focused on the portrayal of women, their settings, the nature of their attire, and the social values conveyed by their presence in the narrative, with particular attention to their alignment with Algerian cultural norms and references.The findings reveal a predominant emphasis on the positive social value of familial bonds, alongside the emergence of the negative social value of emancipation. These results offer valuable insights for Algerian TV drama creators, suggesting ways to produce artistically impactful content that challenges stereotypical representations of women, raises awareness, promotes human values, and contributes to societal cohesion and stability in Algeria. تهدف هذه الدراسة إلى بحث تجليات الحضور النسوي في الدراما التلفزيونية الجزائرية من خلال إجراء تحليل كيفي وكمي لعينة من عشر حلقات من المسلسل الدرامي الجزائري “الخاوة 2”. تم اختيار الحلقات بشكل عشوائي وتحليلها باستخدام أداة تحليل المحتوى. ركزت الدراسة على تمثيل النساء، البيئات التي يتواجدن فيها، طبيعة ملابسهن، والقيم الاجتماعية التي تعكسها وجودهن في السرد، مع التركيز بشكل خاص على توافق هذه التمثيلات مع المعايير الثقافية الجزائرية. تشير النتائج إلى هيمنة القيمة الاجتماعية الإيجابية للترابط الأسري، مع بروز القيمة الاجتماعية السلبية للتحرر. توفر هذه النتائج رؤى قيمة لصناع الدراما التلفزيونية الجزائرية، مقترحة طرقًا لإنتاج محتوى فني درامي مؤثر يتحدى التصورات النمطية للنساء، ويعزز الوعي، ويشجع على القيم الإنسانية، ويساهم في تعزيز التماسك والاستقرار في المجتمع الجزائري. Cette étude vise à analyser la représentation de la présence féminine dans les séries télévisées algériennes à travers une analyse qualitative et quantitative d’un échantillon de dix épisodes de la série dramatique algérienne « El Khawa 2 ». Les épisodes ont été sélectionnés au hasard et soumis à une analyse de contenu. L’étude s’est concentrée sur la représentation des femmes, leurs contextes, la nature de leurs vêtements, et les valeurs sociales véhiculées par leur présence dans la narration, en mettant particulièrement l’accent sur leur conformité aux normes et références culturelles algériennes.Les résultats indiquent une prédominance de la valeur sociale positive de la solidarité familiale, ainsi que l’émergence de la valeur sociale négative de l’émancipation. Ces résultats fournissent des perspectives utiles pour les créateurs de drames télévisés algériens, en suggérant des moyens de produire des contenus artistiques percutants qui remettent en question les représentations stéréotypées des femmes, favorisent la prise de conscience, promeuvent les valeurs humaines, et contribuent à la cohésion et à la stabilité de la société algérienne. ven., 06 sept. 2024 20:42:57 +0200 https://aleph.edinum.org:443/12680 https://aleph.edinum.org:443/11041 Art’s response to the significant rise of the number of refugees around the world today is a testimony to a global pressing issue. Their representations, in both factual and fictional productions, reflect a process of relocating and its impact on individuals, families, and at times entire communities creatively and aesthetically. This paper explores the aesthetic representation of displacement in contemporary cinema, a medium that emerges as a powerful dimension to expressively depict the experiences of the displaced. The study delves into the aesthetic representation of displacement narratives within the context of a global refugee crisis with a focus on two notable films, Dune (2021) and Avatar: The Way of Water (2022). The construction of both worlds presents a particularly well-crafted narrative that embeds elements of displacement and the displaced. To do so, the theoretical framework outlines Nelson Goodman’s theory of worldmaking arguing that components and systems of the fictional worlds of the films are modes of reference to the actual one. That is, it highlights the significance of cinema as a reflexive symbol of cultural and social structures by examining how cinematic techniques metaphorically symbolize primary world structures through secondary world ones. تعكس التمثيلات السينمائية للزيادة الكبيرة في عدد اللاجئين حول العالم، سواء كانت حقيقية أم خيالية، وبشكل إبداعي وجمالي عملية الهجرة وتأثيرها على الأفراد. يستكشف هذا المقال التمثيل الجمالي للتهجير في السينما المعاصرة من خلال فيلمي كثيب و آفاتار طريقة المياه وهذا استنادا إلى نظرية إنشاء العوالم لنلسون غودمان. كما تسلط هذه الدراسة الضوء على أهمية السينما كرمز انعكاسي للهياكل الثقافية والاجتماعية. Les représentations cinématographiques de l'augmentation importante du nombre de réfugiés dans le monde, qu'elles soient factuelles ou fictives, reflètent de manière créative et esthétique le processus d’immigration et son impact sur les individus. Cet article explore la représentation esthétique du déplacement dans le cinéma contemporain en mettant l'accent sur deux films : Dune (2021) et Avatar : La Voie de l'Eau (2022). Les deux mondes des films présentent une narration bien élaborée intégrant des éléments de déplacement. En s'appuyant sur la théorie de création de mondes de Nelson Goodman, cette étude souligne l'importance du cinéma comme symbole réflexif des structures culturelles et sociales. dim., 10 mars 2024 12:15:35 +0100 https://aleph.edinum.org:443/11041 https://aleph.edinum.org:443/11385 La fiction d’investigation ou le film est souvent utilisé comme une métaphore pour expliquer comment la science et la technologie fonctionnent en raison des analogies dans la quête de la vérité. Le film « Douze hommes en colère » de Sydney Lumet en 1957 en est un exemple. Il a connu un succès à son époque, mais est intemporel : il a été nominé pour un Oscar et a remporté un Ours d’or. Dans ce film, un jury de douze personnes (dont Henry Fonda dans le rôle principal) se réunit pour décider du sort d’un adolescent accusé d’avoir tué son père. Il est d’abord jugé coupable par onze voix, seul Henry Fonda déclare avoir un « doute légitime sur la culpabilité de l’accusé ». Comme dans un laboratoire de recherche scientifique, la quête de la vérité commence. Un dialogue socratique est établi à travers un long chemin d’opinions, de réfutations, de contradictions et d’explosions de colère qui frôlent presque les coups. Nous nous posons la question : quels principes de scientificité, de didactique et de psychologie cognitive sont utilisés dans le film ? Dans un triple parallélisme d’images, de gestes, de paroles prononcées et de principes de recherche scientifique, en référence aux idées de Bachelard et Popper sur les critères de scientificité, nous présentons une typologie des obstacles didactiques, des conceptions personnelles et des biais cognitifs à l’origine de raisonnements fallacieux et de déductions hâtives ou naïves, apparaissant chez les acteurs, voilant la réalité des choses. Henry Fonda parvient à ébranler leurs convictions initiales et à inverser le verdict pour un « non coupable » unanime. Investigative fiction or film is often used as a metaphor for how science and technology work because of analogies in the search for truth. Sydney Lumet’s 1957 film Twelve Angry Men is an example. It was a success in its time, but timeless: it was nominated for an Oscar and won a Golden Bear. In this film, a jury of twelve people (including Henry Fonda in the lead role) meets to decide the fate of a teenager accused of killing his father. He is first judged guilty by eleven votes, only Henry Fonda declares having a « legitimate doubt about the guilt of the accused ». As in a scientific research laboratory, the search for the truth begins. A Socratic dialogue is established through a long path of opinions, rebuttals, contradictions, and angry outbursts that almost come to blows.We ask ourselves the question: what principles of scientificity, didactics, and cognitive psychology are used in the film? In a triple parallelism of images, gestures, spoken words, and principles of scientific research, referring to the ideas of Bachelard and Popper on the criteria of scientificity, we present a typology of didactic obstacles, personal conceptions, and cognitive biases at the origin of fallacious reasoning and hasty or naive deductions, appearing in the actors, veiling the reality of things. Henry Fonda managed to shake their initial convictions and reverse the verdict to a unanimous « not guilty ». غالبًا ما تُستخدم الرواية الاستقصائية أو السينما كاستعارة لأعمال العلم والتقنيات بسبب التشابهات في البحث عن الحقيقة. يعد فيلم Twelve Angry Men للمخرج ‘’ سيدني لوميت’’ عام 1957 مثالاً على ذلك. لقد كان نجاحًا في وقته، ولكنه يتحد الزمان : تم ترشيحه لجوائز الأوسكار وفاز بجائزة الدب الذهبي. في هذا الفيلم، تجتمع هيئة محلفين مؤلفة من اثني عشر شخصًا (بما في ذلك ‘‘هنري فوندا’’ في الدور الرئيسي) لتقرير مصير مراهق متهم بقتل والده. تم إدانته لأول مرة بأحد عشر صوتًا، فقط هنري فوندا أعلن أن لديه « شك مشروع حول ذنب المتهم ». كما هو الحال في مختبر البحث العلمي، يبدأ البحث عن الحقيقة. يتم إنشاء الحوار السقراطي من خلال مسار طويل من الآراء، والدحض، والتناقضات، واندلاع الغضب الذي يكاد يصل إلى حد اللكمات. نسأل أنفسنا السؤال : ما هي مبادئ العلم والتعليم وعلم النفس المعرفي المستخدمة في الفيلم. في صور متوازية ثلاثية، وإيماءات - كلمات ومبادئ البحث العلمي، من خلال الإشارة إلى أفكار ‘’باشلارد(Bachelard) ‘’ و’’بوبر’’ (Popper)حول معايير العلم، نقدم تصنيفًا للعقبات التعليمية والمفاهيم الشخصية والتحيزات المعرفية في الأصل التفكير الخاطئ والمتسارع أو استنتاجات ساذجة ، تظهر بين الممثلين ، تحجب حقيقة الأشياء عنهم. تمكن هنري فوندا من زعزعة قناعاتهم الأولية وعكس الحكم تجاه الإجماع « غير مذنب ». mer., 03 avril 2024 15:20:43 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11385 https://aleph.edinum.org:443/11709 The philosophical debate that defines art as mimesis leads us to interpret fiction as reality disguised in beautiful imagery and hyperboles. Indeed, the mimetic aspect of literature has captured and immortalized life in different ways through fiction. From George Orwell’s dystopian prose that denounces totalitarian regimes, to postcolonial writings from Chinua Achebe that decry the lingering effects of colonization, fiction has always effectively and efficiently “turned blood into ink” as T.S Eliot put it. It has managed to capture the essence of life and transcribe it into words. While many fictional narratives depict things that happened or may happen in a near future, Alan Moore’s comic book series Watchmen tackles what may had happened to warn the reader about the danger of history repeating itself as well as the idea of bestowing power in the wrong hands. For this reason, Moore creates a uchronic setting that puts his characters in an alternate reality in which the United States of America won the war against Vietnam. Moreover, Moore’s masked superhero vigilantes in Watchmen are far from being positive figures. On the contrary, they appear ethically ambiguous or utterly corrupt. Every superhero in Watchmen rests on a net of intertextual references that refer to previous comic book heroes, villains, or even real life political and historical figures. This renders it a work of fiction that criticizes itself in a metatextual fashion. In this regard, Moore posits a “comic about comics” type of narrative to remind people of the link between fiction and reality as well as how intertwined both of them can be. Using Gérard Genette’s concept of transtextuality, this presentation aims to discuss “the textual transcendence of the text” as Genette claims in Moore’s Watchmen. In this respect, this presentation will explore the ways in which Alan Moore’s Watchmen redefines the superhero genre as a “meditation upon power” through the use of transtextual techniques. المناقشة الفلسفية التي تعرِّف الفن كتقليد تقودنا إلى تفسير الخيال كواقع متنكر في صور جميلة وتضخيمات. في الواقع، جانب التقليد في الأدب قد أسر وخلد الحياة بطرق مختلفة من خلال الخيال. من نثر جورج أورويل المظلم الذي يستنكر الأنظمة الاستبدادية، إلى كتابات اللااستعمار من تشينوا آشيبي التي تستنكر تأثيرات الاستعمار المستمرة، أثبت الخيال نفسه دائمًا بأنه "حوّل الدم إلى حبر" كما قال تي. إس. إليوت. لقد نجح في التقاط جوهر الحياة ونقله إلى كلمات. بينما تصوّر العديد من السرد الخيالي الأشياء التي حدثت أو قد تحدث في المستقبل القريب، تتعامل سلسلة الكتب المصورة "واتشمن" لآلان مور بما قد يكون قد حدث لتحذير القارئ من خطر تكرار التاريخ وفكرة منح السلطة في أيدي خاطئة. لهذا السبب، يخلق مور إعدادًا أخرونيًا يضع شخصياته في واقع بديل حيث فازت الولايات المتحدة على حرب فيتنام. وعلاوة على ذلك، الأبطال الخارقين المقنعين في "واتشمن" لآلان مور بعيدين عن كونهم شخصيات إيجابية. على العكس، يظهرون أخلاقيًا غامضين أو فاسدين تمامًا. يستند كل بطل خارق في "واتشمن" على شبكة من الإشارات النصية الداخلية التي تشير إلى أبطال الكتب المصورة السابقين أو الأشرار أو حتى الشخصيات السياسية والتاريخية الحقيقية. وهذا يجعله عملاً خياليًا ينتقد نفسه بطريقة نصية. في هذا الصدد، يقترح مور نوعًا من السرد "حول القصص المصورة" لتذكير الناس بالرابط بين الخيال والواقع وكيف يمكن أن يكونا متداخلين. باستخدام مفهوم الترابط النصي لجيرار جينيت، تهدف هذه العرض إلى مناقشة "تجاوز النص النصي" كما يدعي جينيت في "واتشمن" لآلان مور. في هذا الصدد، ستستكشف هذه العرض الطرق التي يعيد بها "واتشمن" لآلان مور تعريف نوع الأبطال الخارقين باعتباره "تأملًا في السلطة" من خلال استخدام تقنيات الترابط النصي. Le débat philosophique qui définit l'art comme une imitation nous conduit à interpréter la fiction comme une réalité déguisée dans de belles images et des hyperboles. En effet, l'aspect mimétique de la littérature a capturé et immortalisé la vie de différentes manières à travers la fiction. Des proses dystopiques de George Orwell dénonçant les régimes totalitaires aux écrits postcoloniaux de Chinua Achebe déplorant les effets persistants de la colonisation, la fiction a toujours réussi et efficacement "transformé le sang en encre", comme l'a dit T.S. Eliot. Elle a réussi à capturer l'essence de la vie et à la transcrire en mots. Alors que de nombreuses narrations fictives décrivent des événements passés ou futurs proches, la série de bandes dessinées Watchmen d'Alan Moore aborde ce qui aurait pu se produire pour avertir le lecteur du danger de la répétition de l'histoire ainsi que de l'idée de conférer le pouvoir entre de mauvaises mains. Pour cette raison, Moore crée un cadre uchronique plaçant ses personnages dans une réalité alternative où les États-Unis ont remporté la guerre contre le Vietnam. De plus, les superhéros masqués de Moore dans Watchmen sont loin d'être des figures positives. Au contraire, ils semblent éthiquement ambigus ou totalement corrompus. Chaque superhéros dans Watchmen repose sur un réseau de références intertextuelles renvoyant à des héros de bandes dessinées précédents, des méchants, voire même des figures politiques et historiques réelles. Cela en fait une œuvre de fiction qui se critique elle-même de manière métatextuelle. À cet égard, Moore propose un type de récit "comic about comics" pour rappeler aux gens du lien entre fiction et réalité ainsi que de leur intrication. Utilisant le concept de transtextualité de Gérard Genette, cette présentation vise à discuter de "la transcendance textuelle du texte" comme le soutient Genette dans Watchmen de Moore. À cet égard, cette présentation explorera les façons dont Watchmen d'Alan Moore redéfinit le genre des superhéros comme une "méditation sur le pouvoir" à travers l'utilisation de techniques transtextuelles. dim., 28 avril 2024 15:40:11 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11709 https://aleph.edinum.org:443/11763 My article investigates the adaptation of the works of the British romantic author Mary Wollstonecraft Shelley (1797-1851), known as “the mother of Frankenstein,” in selected American films. It considers how Shelley’s perception of the dystopian post-apocalyptic shapes modern thriller and science fiction film productions. The selected films are the post-apocalyptic thriller and survival films I Am Legend (2007) directed by Francis Lawrence, The Road (2009) directed by John Hillcoat, and The Book of Eli (2010) by the Hughes Brothers. These media texts adapt and appropriate the notion of the last man surviving in a post-apocalyptic world. My examination draws inspiration from Roland Barthes’ notions of myth and theories of adaptation and appropriation by Lynda Hutcheon and Julie Sanders. I will attempt to reveal how Shelley’s depiction of the image of The Last Man, published in 1826, is appropriated in the mentioned productions. Shelley’s work harmonizes the aesthetics of a novel with the intellectual reflection of a woman’s perspective of an apocalyptic twenty-first century. Unpopular at the time of its publication, twenty-first-century cinema exploits the image of the orphan and the father to restore interest in the father archetype, transforming the last man into an “overman,” not in his extraordinary achievements but in his ability to represent order. يبحث مقالي في اقتباس أعمال الكاتبة الرومانسية البريطانية ماري ولستونكرافت شيلي (1797-1851)، المعروفة باسم “أم فرانكشتاين” في أفلام أمريكية مختارة. يدرس الطريقة التي يشكل بها تصور شيلي لما بعد نهاية العالم البائس في أفلام الإثارة والخيال العلمي الحديثة. الأفلام المختارة هي أفلام الإثارة وأفلام البقاء على قيد الحياة بعد نهاية العالم، أنا أسطورة (2007) من إخراج فرانسيس لورانس، والطريق (2009) من إخراج جون هيلكوا، وكتاب إيلي (2010) من إخراج هيوز براذرز. تتكيف هذه النصوص الإعلامية مع فكرة آخر رجل على قيد الحياة في عالم ما بعد نهاية العالم. يستمد بحثي الإلهام من مفاهيم رولان بارت حول الأسطورة ونظريات التكيف والاستيلاء التي أعدتها ليندا هاتشيون وجولي ساندرز. سأحاول أن أكشف كيف تم تخصيص تصوير شيلي لصورة الرجل الأخير المنشورة عام 1826 في الإنتاجات المذكورة. يوفق عمل شيلي بين جماليات الرواية والانعكاس الفكري لمنظور المرأة في القرن الحادي والعشرين المروع. تستغل سينما القرن الحادي والعشرين، التي لم تحظى بشعبية كبيرة خلال فترة نشرها، صورة اليتيم والأب لاستعادة الاهتمام بنموذج الأب الأصلي. تحويل الرجل الأخير إلى “الرجل الأعلى” ليس في إنجازاته غير العادية ولكن في قدرته على تمثيل النظام. Mon article étudie l’adaptation des œuvres de l’auteure romantique britannique Mary Wollstonecraft Shelley (1797-1851), connue comme « la mère de Frankenstein », dans une sélection de films américains. Il examine la façon dont la perception de Shelley du monde post-apocalyptique dystopique façonne les productions modernes des thrillers et des films de science-fiction. Les films sélectionnés sont le thriller post-apocalyptique et les films de survie I Am Legend (2007) réalisé par Francis Lawrence, The Road (2009) réalisé par John Hillcoat, et The Book of Eli (2010) des Hughes Brothers. Ces textes médiatiques adaptent et s’approprient la notion du dernier homme survivant dans un monde post-apocalyptique. Mon examen s’inspire des notions de mythe de Roland Barthes et des théories d’adaptation et d’appropriation de Lynda Hutcheon et Julie Sanders. Je tenterai de révéler comment la représentation par Shelley de l’image du Dernier Homme, publiée en 1826, est appropriée dans les productions mentionnées. Le travail de Shelley harmonise l’esthétique d’un roman avec la réflexion intellectuelle du point de vue d’une femme dans un XXIe siècle apocalyptique. Impopulaire à l’époque de sa parution, le cinéma du XXIe siècle exploite l’image de l’orphelin et du père pour restaurer l’intérêt pour l’archétype paternel, transformant le dernier homme en un « overman », non pas dans ses réalisations extraordinaires mais dans sa capacité à représenter l’ordre. lun., 29 avril 2024 14:56:17 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11763 https://aleph.edinum.org:443/11798 In the hands of Palestinian authors, the pen serves as a weapon aimed against Zionist occupation and aspires for rightful repossession. Palestinian literature reflects a collective trauma under Israeli occupation and stands as a resistant voice that supports a unified Palestinian cause. This research delves into Ghassan Kanafani’s short story “The Forbidden Weapon,” written in 1961 and published within his collection of short stories entitled “The Land of Sad Oranges” (1962), to identify metaphoric symbols applied by the author. It argues that Kanafani uses numerous characters , natural, and even animalistic metaphors as tools to reflect Palestinian trauma and the emotions of betrayal that Palestinian advocates for freedom face while trying to repossess the usurped land. This research also argues that Kanafani uses Palestinian identity tropes and symbols to assert the abiding Palestinian fight for their land and identity. Theoretically speaking, the research is thematic and analytical. While reading the story from a Postcolonial perspective, this research is also based to a very considerable extent on Edward Said’s ideas reflected in his book “The Question of Palestine.” It should be noted that all quotes from Kanafani’s “The Forbidden Weapon” are translated from the original Arabic text by the author of this article. في ايدي الأدباء الفلسطينيين، يتحول القلم إلى سلاح قوي مصوبا ضد الإستعمار الصهيوني وحالما بتحقيق الرجوع إلى الأرض والوطن. يعكس الأدب الفلسطيني الألم الجماعي الذي يعيشه الشعب الفلسطيني تحت وطأة الإحتلال. في نفس الوقت، يعكس الأدب الفلسطيني صوت شعب متحد يندد بضرورة الدفاع على قضية واحدة، وهي الحرية وحق الرجوع الى الوطن. من أجل ما تم ذكره، تعمد هذه الدراسة إلى الغوص في غمار القصة القصيرة المعنونة ب "السلاح المحرم" (1961) للكاتب الفلسطيني غسان كنفاني والمنشورة ضمن مجموعته القصصية "أرض البرتقال الحزين" وذلك من أجل تحليل الطريقة التي يستخدم بها الكاتب الرموز التعبيرية المجازية في القصة المذكورة. تبين هذه الدراسة أن كنفاني لجأ إلى إستخدام عدد من الرموز البشرية، الطبيعية، وكذلك الحيوانية كوسائل أدبية تعكس التشتت الفلسطيني وكذلك مشاعر الخيبة الناجمة عن خيانة القضية الفلسطينية والتي يعيشها كل من الكاتب وكذلك الثوار الفلسطينيين المحاربين من أجل إسترجاع الأرض والدفاع عن الهوية والثقافة الفلسطينية، وكل ذلك بالإستخدام المميز لرموز الهوية الفلسطينية. فيما يخص الجانب النظري، تقوم هذه الدراسة على أسس موضوعية وكذلك تحليلية لمعاني ورموز القصة. زيادة على ذلك، تستخدم هذه الدراسة بعض الجوانب من نظرية ما بعد الاستعمار وترتكز بشكل كببر على ما ورد في كتاب "مسألة فلسطين" للكاتب إدوارد سعيد وذلك لما يقدمه هذا الكتاب من إجابات حول إغتصاب حريات الشعوب وأراضيهم والعلاقات التي تربط تلك الشعوب بالأرض والهوية. من الجدير بالذكر أن كل الاقتباسات من قصة " السلاح المحرم" تم ترجمتها من قبل كاتب المقال من النسخة العربية الأصلية للقصة. Entre les mains des auteurs palestiniens, le stylo sert d’arme contre l’occupation sioniste et aspire à une juste réappropriation. La littérature palestinienne reflète un traumatisme collectif sous l’occupation israélienne et se présente comme une voix résistante qui soutient une cause palestinienne unifiée. Cette recherche analyse la nouvelle de Ghassan Kanafani « L’Arme Interdite », qui fait partie de son recueil de nouvelles intitulé « Le Pays des Oranges Tristes » (1962), pour identifier les symboles métaphoriques appliqués par l’auteur. Il soutient que Kanafani utilise de nombreuses métaphores humaines, naturelles et même animales comme outils pour refléter le traumatisme palestinien et les émotions de trahison auxquelles les Palestiniens qui réclament la liberté doivent faire face lorsqu’ils tentent de reprendre possession de la terre usurpée. La recherche soutient également que Kanafani utilise des tropes et des symboles identitaires palestiniens pour affirmer la lutte constante des Palestiniens pour la terre et son histoire. Théoriquement parlant, la recherche est thématique et analytique. Il utilise également la théorie postcoloniale et les théories du symbolisme thématique dans la littérature. La question de Palestine d’Edward Said et d’autres publications thématiques sont également au cœur de cette recherche car elles apportent de nombreuses réponses aux questions de déplacement, d’usurpation et du lien d’un peuple à sa terre et à son patrimoine culturel. Il convient de noter que les citations de « L’arme interdite » de Kanafani sont traduites du texte original arabe par l’auteur de l’article. lun., 29 avril 2024 20:42:45 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11798 https://aleph.edinum.org:443/11810 Cet article propose une étude du film de science-fiction Avatar 2 : la Voie de l’Eau (2022) de James Cameron selon une approche géocritique. Pour ce faire, nous analyserons le thème du (néo) impérialisme, en mettant l’accent sur un conflit fictif opposant les Na’vis, peuple autochtone de la planète Pandora, aux Humains. Cette analyse permettra également de déceler les enjeux politiques et écologiques qui jalonnent le récit futuriste, lequel puise néanmoins ses racines dans le monde contemporain. تتناول هذه المقالة فيلم الخيال العلمي لجيمس كاميرون Avatar 2 : The Way of Water (2022) من منظور جيونقدي. للقيام بذلك، سنحاول تحليل موضوع الإمبريالية (الجديدة) ، مع التركيز على صراع وهمي بين Na’vi ، والسكان الأصليين لكوكب Pandora ، والبشر. كما سيسمح لنا بتحديد القضايا السياسية والبيئية التي تتخلل السرد المستقبلي، وهو سرد له جذوره في عالم اليوم. This article examines James Cameron’s science fiction film Avatar 2: The Way of Water (2022) from a geocritical perspective. We will analyze the theme of (neo) imperialism, focusing on a fictitious conflict between the Na’vi, indigenous people of the planet Pandora, and Humans. This analysis will also allow us to identify the political and ecological issues that punctuate the futuristic narrative, which nevertheless has its roots in today’s world. mar., 30 avril 2024 10:38:11 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11810 https://aleph.edinum.org:443/11817 The 9/11 attacks on the Twin Towers in 2001 represent a quintessential modern event, profoundly impacting American domestic and international policies. Marvel Comics portrays Captain America as the epitome of American values, embodying freedom, and democracy, and the nation itself as a mythical hero devoted to global peace. As a soft power, Captain America reinforces perceptions of terrorism, participating in its social construction and legitimizing government policies in the Middle East as necessary heroic actions to defend the nation. The comic book “Captain America: The New Deal” (2002) effectively translates real events into words and images, making it relevant to studying international relations. This paper aims to highlight the social-constructivist role of comic books in reinforcing post-9/11 American social doctrine. تمثل هجمات 11 سبتمبر التي استهدفت برجي مركز التجارة الدولية بمنهاتن عام 2001 معلما بالغ الأهمية في تاريخ العالم الحديث. يرمي هذا البحث الى تسليط الضوء على الحدث ودراسته بطريقة مبتكرة من خلال وصله بالكتاب الهزلي كابتن أمريكا : الصفقة الجديدة. ما يميز هذا الكتاب هو تجسيده للأحداث التاريخية الحقيقية بطريقة مثالية في شكل كلمات وصور معبرة، الامر الذي يجعله ذا صلة بدراسة السياسات الامريكية المحلية والدولية. كابتن أمريكا هو تجسيد للقيم الأمريكية المتجذرة في تاريخ الدولة كالحرية والديمقراطية، ناهيك عن تجسيده لماهية الولايات المتحدة المزعومة كبطل أسطوري. إن إثر كتاب كابتن أميركا، باعتباره جزءا مما يعرف بالقوة الناعمة، يرسخ المفهوم المتداول بشأن الإرهاب من خلال المشاركة في بناء تعريفه الاجتماعي. وقد شارك العمل في تشخيص الهوية الإرهابية وإضفاء الشرعية على سياسات الحكومة الامريكية في الشرق الأوسط باعتبارها لحظة بطولية حتمية للدفاع عن الأمة. في هذا السياق، تسعى هذه الدراسة إلى ابراز قوة الكتب المصورة في لعب دور بنائي للموقف الجماعي الامريكي من خلال تعزيز المبادئ الاجتماعية للشعب بعد 11 سبتمبر. Les attentats du 11 septembre contre les Twin Towers en 2001 représentent l’archétype de l’événement moderne. La bande dessinée «  Capitaine America : The New Deal  » (2002) met parfaitement en mots et en images des événements réels qui rendent l’ouvrage pertinent pour l’étude des relations internationales. Capitaine America incarne les valeurs américaines de liberté et de démocratie, représentant la nation en tant que héros mythique dévoué à la paix mondiale. En tant que soft power, il renforce les perceptions du terrorisme en participant à sa construction sociale et en légitimant les politiques gouvernementales au Moyen-Orient comme des actions héroïques nécessaires pour défendre la nation. Cet article vise à mettre en lumière le rôle social-constructiviste des bandes dessinées dans le renforcement de la doctrine sociale américaine de l’après-11 septembre. mer., 01 mai 2024 13:11:57 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11817 https://aleph.edinum.org:443/11840 One of the biggest criticisms of superhero media is that it has a long-standing habit of objectifying female characters. Given that comics have been very male-dominated, superheroines introduced have repeatedly been sexualized and abused for the sake of the narrative. Consequently, the comic Alias came as a breath of fresh air when its creators, Brian Michael Bendis and Michael Gaydos, aimed to change the characterization of superheroines by introducing a superheroine who, despite her trauma, subverted all the norms of comics at the time. Yet, despite the far grittier, darker, and more graphic depiction of a traumatized female character, I would argue that the comic still abuses Jessica Jones in its way. My paper, as a result, intends to highlight how the comic book Alias vol. 4: The Secret Origins of Jessica both attempts and in some instances, fails to tackle gendered power structures and abuse. Moreover, I will discuss how its Netflix adaptation not only updates and expands on that commentary but also offers a more critical analysis of rape culture. To reach my answers, I will first start by introducing the #MeToo movement and its main criticism regarding rape. Then, I will focus on the difference between the comic and the show regarding abuse and the impacts of rape culture. Lastly, I will discuss how the show, specifically its first season, offers a more actualized exploration of sexual violence and trauma through their characterization of Kilgrave. كانت واحدة من أكبر الانتقادات لوسائل الإعلام الخاصة بالأبطال الخارقين هي أن لديها عادة طويلة الأمد في تجسيد الشخصيات النسائية. نظرًا لأن القصص المصورة كانت مهيمنة بشكل كبير على الذكور، فقد تم تجسيد البطلات الخارقات المقدمة بشكل متكرر وإساءة معاملتهن من أجل السرد. وبالتالي، جاءت الكتابة المصورة Alias كنسمة منعشة عندما هدف مبدعوها، برايان مايكل بنديس ومايكل جايدوس، إلى تغيير توصيف البطلات الخارقات من خلال تقديم بطلة خارقة تقوم بتحويل جميع المعايير السائدة في القصص المصورة في ذلك الوقت على الرغم من صدماتها. ومع ذلك، على الرغم من التصوير الأكثر قسوة وظلامًا وأكثر توضيحًا للشخصية الأنثوية المصابة بصدمة، سأزعم أن الكتاب المصور لا يزال يسيء معاملة جيسيكا جونز بطريقته الخاصة. نتيجة لذلك، تهدف ورقتي، كنتيجة، إلى تسليط الضوء على كيفية محاولة الكتاب المصور “الاسم المستعار المجلد 4 : الأصول السرية لجيسيكا”، وفي بعض الحالات، الفشل في التعامل مع الهياكل السلطوية الجنسانية والإساءة. وعلاوة على ذلك، سأناقش كيف أن تكييف Netflix لا يقوم فقط بتحديث هذا التعليق وتوسيعه، بل يقدم أيضًا تحليلًا أكثر انتقادًا لثقافة الاغتصاب. للوصول إلى إجاباتي، سأبدأ أولاً بتقديم حركة #MeToo وانتقاداتها الرئيسية بشأن الاغتصاب. ثم، سأركز على الفرق بين الكتاب المصور والمسلسل فيما يتعلق بالإساءة وتأثيرات ثقافة الاغتصاب. أخيرًا، سأناقش كيف أن المسلسل، وبالتحديد موسمه الأول، يقدم استكشافًا أكثر واقعية للعنف الجنسي والصدمات من خلال توصيفهم لكيلغريف. L’une des plus grandes critiques des médias de super-héros est qu’ils ont depuis longtemps l’habitude d’objectiver les personnages féminins. Comme les bandes dessinées ont été dominées par les hommes, les héroïnes introduites ont été à plusieurs reprises sexualisées et abusées pour le bien du récit. La bande dessinée Alias, par conséquent, est venu comme une bouffée d’air frais lorsque les créateurs, Brian Michael Bendis et Michael Gaydos, visaient à changer la caractérisation des super-héros en introduisant une super-héroïne qui, malgré son traumatisme, a subverti toutes les normes de la bande dessinée à l’époque. Pourtant, malgré la représentation plus sombre et plus graphique d’un personnage féminin traumatisé, je dirais que la bande dessinée a encore abusé à sa manière Jessica Jones. Mon article a pour but de mettre en évidence comment la bande dessinée Alias vol. 4 : Les origines secrètes de Jessica tente, et dans certains cas, ne parvient pas à s’attaquer à la structure du pouvoir sexuée. De plus, je discuterai de la façon dont son adaptation Netflix non seulement met à jour et développe cette critique, mais offre également une analyse plus approfondie de la culture du viol. Pour atteindre mes réponses, je commencerai par présenter le mouvement #MeToo et ses principales critiques concernant le viol. Ensuite, je me concentrerai à démontrer la différence entre la bande dessinée et la série en ce qui concerne les abus et les impacts de la culture du viol. Enfin, je discuterai de la façon dont la série, en particulier sa première saison, offre une exploration plus actualisée de la violence et des traumatismes sexuels à travers leur caractérisation de l’antagoniste Kilgrave. jeu., 02 mai 2024 09:16:03 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11840 https://aleph.edinum.org:443/11371 أثر الرقابة في ترجمة الأفلام موضوع سلطنا من خلاله الضوء على إشكالية الترجمة الفيلمية، نهدف من خلال هذه الدراسة إلى تبيان الترجمة على الشاشة بنوعيها السينما والتليفزيون، والتقنيات التي يتبناها المترجم في ذلك من تكييف ورقابة مع دراسة تطبيقية حول بعض الأفلام المترجمة. توصلنا في هذا البحث إلى نتيجة يمكن تلخيصها فيما يلي : للرقابة أثر سلبي يتمثل في رقابة عليا مفروضة على المترجم، وأثر إيجابي كون الرقابة الذاتية أو مايعرف بالرقابة الأخلاقية خاصة بالمترجم، والذي له الحرية التامة في اللجوء لها من عدمه. La traduction filmique est notre sujet d’étude dont la problématique est comme suit : L’effet de la censure sur la traduction des films. Notre recherche va porter sur la traduction d’écran : cinéma et télévision, les techniques adoptées par le traducteur en termes d’adaptation et de censure. De ce fait notre recherche était devisée en deux parties, un coté théorique et l’autre une pratique sur certains films sous-titrés. On peut dire que : la censure a un effet négatif représenté par une censure supérieure imposée, et un autre positif ; il s’agit de l’autocensure qui est propre au traducteur. Film translation is the subject of our study, the problem of which is as follows: The effect of censorship on films translation. Our research will focus on screen translation: cinema and television, the techniques adopted by the translator: adaptation and censorship. Our research was divided into two parts, a theoretical side and the other a practical one on certain subtitled films. We can say that: censorship has a negative effect represented by an imposed superior censorship, and another positive one; it is about self-censorship which is specific to the translator. sam., 30 mars 2024 11:11:18 +0100 https://aleph.edinum.org:443/11371 https://aleph.edinum.org:443/11876 Cette étude sur l’artiste algérien Saïd Chender vise à éclairer son parcours artistique, qualifiant sa pratique comme une immersion profonde dans le patrimoine culturel algérien. Intégrant dans ses œuvres la richesse des traditions, des symboles et des récits qui façonnent l’identité algérienne, Chender explore les techniques mixtes et les compositions en triptyque, offrant ainsi une passerelle entre le passé et le présent, le local et l’universel, à travers le prisme de l’art contemporain. Une problématique centrale émerge : comment l’œuvre de Chender reflète-t-elle et influence-t-elle la perception de la modernité et de la tradition dans la société algérienne ? Et à quelle mesure parvient-il à maintenir un équilibre entre ces deux pôles tout en offrant une critique sociale pertinente ? Ces questions soulèvent des enjeux relatifs à la conservation de l’identité culturelle face à la globalisation et à l’importance de l’art en tant que moyen de dialogue entre différentes cultures et générations. ستساهم هذه الدراسة عن الفنان الجزائري سعيد شندر في تسليط الضوء على مسيرته الفنية، من خلال تأهيل ممارسته الفنية على أنها انغماس عميق في التراث الثقافي الجزائري، ودمج ثراء التقاليد والرموز والقصص التي تشكل الهوية الجزائرية في أعماله. إن استكشافه للتقنيات المختلطة والتركيبات الثلاثية ليست خيارات جمالية بسيطة ولكنها تعكس الرغبة في الحوار مع تاريخ بلده وعاداته وأساطيره، مما يوفر جسرًا بين الماضي والحاضر، المحلي والعالمي، من خلال منظور الفن المعاصر. إشكالية البحث : كيف تعكس وتؤثر أعمال شندر، من خلال موضوعاته وتقنياته، إدراك الحداثة والتقاليد في المجتمع الجزائري ؟ وإلى أي مدى تمكن الفنان من الحفاظ على التوازن بين هذين المتغيرين، مع تقديمه في حلة نقد مجتمعي صارم ؟ وتثير هذه التساؤلات قضايا تتعلق بالحفاظ على الهوية الثقافية في مواجهة العولمة وأهمية الفن كوسيلة للحوار بين مختلف الثقافات والأجيال. This study on the Algerian artist Saïd Chender aims to shed light on his artistic career, qualifying his practice as a deep immersion in Algerian cultural heritage. Integrating the richness of traditions, symbols, and stories that shape Algerian identity into his works, Chender explores mixed techniques and triptych compositions, thus offering a bridge between the past and the present, the local and the universal, through the prism of contemporary art. A central issue emerges: how does Chender’s work reflect and influence the perception of modernity and tradition in Algerian society? and to what extent does it manage to maintain a balance between these two poles while offering relevant social criticism? These questions raise issues related to preserving cultural identity in the face of globalisation and the importance of art as a means of dialogue between different cultures and generations. jeu., 02 mai 2024 15:18:17 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11876 https://aleph.edinum.org:443/11904 تختلف مظاهر الفنون في القارة الافريقية منذ القدم، ولا شك أن أقنعة الطقوس والشخصيات الاحتفالية وكذا ممارسات فن النحت المتنوعة من أهم تلك المظاهر، لتتعداها إلى صناعة الأسلحة والأزياء وزخارف الجسم والأشياء اليومية الأخرى، حيث يتميز الإنتاج الإبداعي للشعوب الأصلية في إفريقيا بلمسة خاصة للتعبير والحيوية، لذلك تمتع الفن الأفريقي بتاريخ طويل من الاستقبال في الغرب، فقد تأثر العديد من الفنانين المعاصرين بالفنون التقليدية لمناطق مختلفة بإفريقيا، والتي لا تزال مصدر إلهام للفنانين المعاصرين اليوم، وعليه سنحاول من خلال ورقتنا البحثية هذه التطرق إلى موجز تاريخ الفن في افريقيا العميقة وانعكاساتها على الممارسات الفنية المعاصرة. Les manifestations artistiques sur le continent africain varient depuis l’Antiquité, et il ne fait aucun doute que les masques rituels et les figures festives, ainsi que les pratiques des divers arts de la sculpture, comptent parmi les plus importantes de ces manifestations. Elles s'étendent à la fabrication d’armes, de mode, de décorations corporelles et d’autres objets quotidiens, où la production créative des peuples autochtones en Afrique se caractérise par une touche particulière d’expression et de vitalité. Ainsi, l’art africain a connu une longue histoire de réception en Occident ; de nombreux artistes contemporains ont été influencés par les arts traditionnels de différentes régions d’Afrique, qui demeurent une source d’inspiration pour les artistes contemporains aujourd’hui. Dans cet article, nous tenterons d’aborder brièvement l’histoire de l’art en Afrique profonde et ses implications pour les pratiques artistiques contemporaines. Les manifestations artistiques sur le continent africain varient depuis l’Antiquité, et il ne fait aucun doute que les masques rituels et les figures festives, ainsi que les pratiques des divers arts de la sculpture, comptent parmi les plus importantes de ces manifestations. Elles s'étendent à la fabrication d’armes, de mode, de décorations corporelles et d’autres objets quotidiens, où la production créative des peuples autochtones en Afrique se caractérise par une touche particulière d’expression et de vitalité. Ainsi, l’art africain a connu une longue histoire de réception en Occident ; de nombreux artistes contemporains ont été influencés par les arts traditionnels de différentes régions d’Afrique, qui demeurent une source d’inspiration pour les artistes contemporains aujourd’hui. Dans cet article, nous tenterons d’aborder brièvement l’histoire de l’art en Afrique profonde et ses implications pour les pratiques artistiques contemporaines. The manifestations of arts in the African continent have varied since ancient times, and there is no doubt that the masks of rituals and festive figures, as well as the practices of various forms of sculpture, are among the most important of these manifestations. They extend to the manufacture of weapons, fashion, body decorations, and other daily items, where a special touch of expression and vitality characterises the creative production of indigenous peoples in Africa. Thus, African art has enjoyed a long history of reception in the West; many contemporary artists have been influenced by the traditional arts of different regions of Africa, which are still a source of inspiration for modern artists today. In this paper, we will try to address a brief history of art in deep Africa and its implications for contemporary artistic practices. sam., 04 mai 2024 14:24:27 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11904 https://aleph.edinum.org:443/11915 أضحت البنى الرقمية تفرض نفسها، ولعلّ أبرزها توظيف طلائع المبدعين لمفهوم الفن التفاعلي عبر العالم الافتراضي، وما يمكن تسميته بعلم السيبرنطيقا، إذ وفرت لنا نطاقاً لا نظير له من أدوات وتجارب التفاعل الفني، بحيث يعيش المتلقي في مجال خبرة غير مألوفة، لينمي ذائقة جمالية معاصرة، لا باعتبارها أعمالا فنية صرفة نتيجة التكنولوجيا، وإنما الغاية تتبع حضور نوع من الدراما التي نراها مستقبلية ومتجددة يمكن أن نطلق عليها الدراما الرقمية على السطح البصري غير المجنس، لاختبار الأفكار ومدى تأثير الفعل وردة الفعل للعمل الفني على الجمهور في ضوء هذه الاعتبارات خَلُص البحث أن قدرات العقل الإنساني تبقى محدودة، باستثناء المجال الفني، ذلك أن معيار الإبداع في الفن هو قدرته على الانفلات من أسر لعبة الحياة وقوانينها المجردة، كما توصلت الدراسة إلى أن الاستيعاب السليم للتكنولوجيا، واستغلالها استغلالا رشيداً، سوف تكون مِعّوانًا للمتلقي، وتصبح علاقة التكنولوجيا بالدراما، سهلة المأخذ وميسورة التناول. Les structures numériques se sont imposées d’elles-mêmes, incluant l’utilisation des pionniers dans la création du concept d’art interactif à travers le monde virtuel, ainsi que ce que l’on peut qualifier de cybernétique, car elle nous a fourni une gamme inégalée d’outils et d’expériences d’interaction artistique. Cela permet au destinataire de vivre dans un champ d’expérience inconnu, favorisant le développement d’un goût esthétique contemporain. Il ne s’agit pas simplement de produire des œuvres d’art pures grâce à la technologie, mais plutôt de suivre la présence d’un type de drame que nous considérons comme futuriste et renouvelé, que nous pouvons appeler « drame numérique » sur une surface visuelle non naturalisée. En prenant en compte ces considérations, la recherche a conclu que les capacités de l’esprit humain restent limitées, à l’exception du domaine artistique. Ainsi, le critère de créativité en art réside dans sa capacité à échapper à la captivité du jeu de la vie et de ses lois abstraites. L’étude a également révélé que la bonne assimilation de la technologie et son exploitation rationnelle seront d’une aide précieuse pour le destinataire. La relation entre la technologie et le drame devient ainsi plus accessible et plus aisée à aborder. Digital structures have asserted themselves, encompassing the pioneering efforts of creators in the development of interactive art within the virtual realm, a domain often associated with cybernetics. This integration has furnished an unparalleled array of tools and experiences in artistic interaction, fostering an environment where recipients engage in uncharted realms of experience, cultivating contemporary aesthetic sensibilities. Rather than serving as mere manifestations of technological advancement, the objective is to explore the emergence of a futuristic and revitalized form of drama, herein referred to as digital drama, manifesting on non-naturalized visual surfaces. In light of these considerations, research has concluded that while the capacities of the human mind may be constrained in various domains, notably outside the artistic sphere, creativity in art thrives on its ability to transcend the confines of life’s mundane routines and abstract conventions. Furthermore, the study highlights the beneficial role of technology assimilation and its judicious application in aiding recipients, facilitating a seamless integration of technology with dramatic expression. sam., 04 mai 2024 17:22:08 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11915 https://aleph.edinum.org:443/12956 يتناول هذا المقال اتجاهات الشباب نحو أثر الدراما التركية المدبلجة على الترابط الأسري. اعتمدنا على مقياس ليكرت لقياس اتجاهات الشباب، والذي طُبّق على 156 مفردة تم اختيارها بواسطة العينة العرضية. أما الأساليب الإحصائية التي اعتمدناها فتمثلت في: النسب المئوية، المتوسط الحسابي، والانحراف المعياري. ومن أهم النتائج المتوصل إليها: كان للدراما التركية المدبلجة أثر إيجابي على الروابط العلائقية الأسرية (النقاش والحوار بين أفراد الأسرة، المسؤولية تجاه الأبناء، الاهتمام بكبار السن...)، كما كان لها أثر سلبي (الطلاق، الخيانة الزوجية، تراجع قيمة الاحتشام…). Cet article traite des attitudes des jeunes envers l'impact des séries dramatiques turques doublées sur les liens familiaux. Nous avons utilisé l'échelle de Likert pour mesurer les attitudes des jeunes, appliquée à un échantillon de 156 individus sélectionnés par la méthode d'échantillonnage accidentel. Les méthodes statistiques utilisées incluent les pourcentages, la moyenne arithmétique et l'écart-type. Les résultats les plus importants montrent que les séries turques doublées ont un impact positif sur les liens familiaux rationnels (discussions et dialogues entre les membres de la famille, responsabilité envers les enfants, prise en charge des personnes âgées...), tout en ayant également un impact négatif (divorce, infidélité conjugale, déclin des valeurs de modestie...). This article addresses young people's attitudes toward the impact of dubbed Turkish dramas on family bonding. We used the Likert scale to measure the attitudes of youth, applied to a sample of 156 individuals selected by the convenience sampling method. The statistical methods used include percentages, the arithmetic mean, and standard deviation. The most significant findings show that dubbed Turkish dramas positively impact rational family ties (discussions and dialogues between family members, responsibility towards children, caring for the elderly...), while also having a negative impact (divorce, marital infidelity, decline in modesty values...). dim., 13 oct. 2024 12:34:45 +0200 https://aleph.edinum.org:443/12956 https://aleph.edinum.org:443/12966 In these analyses, we approach two complementary perspectives on Chinese ceramics : on the one hand, its technical and aesthetic evolution throughout history, and on the other hand, its application within the framework of the Unique Brushstroke, an ethical value of Chinese artistic thought. Objectives- To examine the historical development of Chinese ceramics, highlighting its technical diversity and aesthetic evolution.- To analyze the application of the Unique Brushstroke to ceramics and its ethical implications in artistic creation.- To explore the relationship between technical innovations and aesthetic continuity in Chinese ceramics.Results- Chinese ceramics, over the centuries, have experienced a diversity of techniques, reflecting a constant quest for aesthetic representation while maintaining continuity in artistic expression.- The Unique Brushstroke provides a relevant conceptual framework for understanding ceramics, emphasizing the importance of ethics over technique in artistic creation.- The aesthetic properties of Chinese ceramics, such as their ability to evoke multisensory sensations and reflect cultural and philosophical values, make it a favored medium for artistic expression.ConclusionBy combining the analysis of the technical and aesthetic evolution of Chinese ceramics with the application of the Unique Brushstroke, these studies enrich our understanding of the diversity and richness of Chinese artistic thought. Chinese ceramics, while preserving significant aesthetic continuity, testify to the importance of ethics in artistic creation and its role as a reflection of China’s cultural and philosophical values through the ages. في هذه التحليلات، نتناول منظورين متكاملين حول الخزف الصيني: من ناحية، تطوره التقني والجمالي عبر التاريخ، ومن ناحية أخرى، تطبيقه في إطار “الضربة الواحدة للفرشاة”، وهي قيمة أخلاقية في الفكر الفني الصيني. الأهداف- دراسة التطور التاريخي للخزف الصيني، مع تسليط الضوء على تنوعه التقني وتطوره الجمالي. - تحليل تطبيق “الضربة الواحدة للفرشاة” على الخزف وما يترتب عليه من دلالات أخلاقية في الإبداع الفني. - استكشاف العلاقة بين الابتكارات التقنية والاستمرارية الجمالية في الخزف الصيني. النتائج- شهد الخزف الصيني على مر العصور تنوعًا في التقنيات، مما يعكس سعيًا دائمًا لتحقيق تمثيل جمالي مع الحفاظ على استمرارية في التعبير الفني. - تقدم “الضربة الواحدة للفرشاة” إطارًا مفاهيميًا مناسبًا لفهم الخزف، مع التأكيد على أهمية الأخلاق على التقنية في الإبداع الفني. - تتميز الخصائص الجمالية للخزف الصيني بقدرته على استحضار أحاسيس متعددة الحواس وعكس القيم الثقافية والفلسفية، مما يجعله وسيلة مميزة للتعبير الفني. الخلاصةمن خلال الجمع بين تحليل التطور التقني والجمالي للخزف الصيني وتطبيق “الضربة الواحدة للفرشاة”، تغني هذه الدراسات فهمنا لتنوع وغنى الفكر الفني الصيني. يشهد الخزف الصيني، مع الحفاظ على استمرارية جمالية ملحوظة، على أهمية الأخلاق في الإبداع الفني ودورها كعاكس للقيم الثقافية والفلسفية للصين عبر العصور. Dans ces analyses, nous abordons deux perspectives complémentaires sur la céramique chinoise : d’une part, son évolution technique et esthétique à travers l’histoire, et d’autre part, son application dans le cadre de l’Unique Trait de Pinceau, une valeur éthique de la pensée artistique chinoise.Objectifs Examiner le développement historique de la céramique chinoise, en mettant en évidence sa diversité technique et son évolution esthétique.Analyser l’application de l’Unique Trait de Pinceau à la céramique et ses implications éthiques dans la création artistique.Explorer la relation entre les innovations techniques et la continuité esthétique dans la céramique chinoise.Résultats : La céramique chinoise, au fil des siècles, a connu une diversité de techniques, reflétant une quête constante de représentation esthétique tout en préservant une continuité dans son expression artistique.L’Unique Trait de Pinceau offre un cadre conceptuel pertinent pour comprendre la céramique, en soulignant l’importance de l’éthique plutôt que de la technique dans la création artistique.Les propriétés esthétiques de la céramique chinoise, telles que sa capacité à évoquer des sensations multisensorielles et à refléter des valeurs culturelles et philosophiques, en font un médium privilégié pour l’expression artistique.Conclusion : En combinant l’analyse de l’évolution technique et esthétique de la céramique chinoise avec l’application de l’Unique Trait de Pinceau, ces études enrichissent notre compréhension de la diversité et de la richesse de la pensée artistique chinoise. La céramique chinoise, tout en préservant une continuité esthétique significative, témoigne de l’importance de l’éthique dans la création artistique et de son rôle en tant que reflet des valeurs culturelles et philosophiques de la Chine à travers les âges. dim., 13 oct. 2024 16:34:54 +0200 https://aleph.edinum.org:443/12966 https://aleph.edinum.org:443/13035 Pink Floyd's The Wall* (1979), a rock opera written by Roger Waters, is an unparalleled testament to the band’s thematic and artistic brilliance. It delves into the psychological disintegration of the character Pink, a figure loosely based on the experiences of Waters and Syd Barrett. This study seeks to analyze *The Wall* through the lens of Althusser's concepts of "hailing" and Ideological State Apparatuses (ISAs), focusing on how interactions with key figures represent hegemonic forces that intensify Pink's alienation and inner turmoil. The paper scrutinizes Pink’s imagined confrontations with his mother, teacher, doctor, and judge, demonstrating how these characters embody familial, educational, medical, and legal ISAs, respectively. It highlights the album's critique of internalized social structures and ideological conformity. Le rock-opéra The Wall* (1979) de Pink Floyd, écrit par Roger Waters, constitue une démonstration inégalée du génie thématique et artistique du groupe. Il explore la désintégration psychologique du personnage Pink, vaguement inspiré des expériences de Waters et Syd Barrett. Cette étude se propose d’analyser *The Wall* à travers le prisme des concepts d’interpellation et d'Appareils Idéologiques d’État (AIE) d’Althusser, en mettant en lumière la manière dont les interactions avec des personnages clés incarnent des forces hégémoniques qui exacerbent l’aliénation et les luttes internes de Pink. L’article examine les confrontations imaginées de Pink avec sa mère, son professeur, son médecin et le juge, pour démontrer comment ces figures symbolisent respectivement les AIE familiaux, éducatifs, médicaux et légaux. Il souligne ainsi la critique de l’album envers les structures sociales intériorisées et la conformité idéologique. jeu., 24 oct. 2024 15:47:43 +0200 https://aleph.edinum.org:443/13035 https://aleph.edinum.org:443/13341 تتفاعل الفنون البصرية بشكل عام، وخاصة السينما، مع الأدب، وتستمد منه أساليب بلاغية وتعبيرية تمنح النص السينمائي قوةً تعبيرية متميزة من حيث البلاغة والدلالة. فقد كانت القصة الأدبية، خاصة الرواية الأدبية الشعبية، مصدر إلهام دائم في بناء العديد من القصص الكرتونية والخيالية. ومع ذلك، فقد تبنت القصة السينمائية أسلوبًا بصريًا وصوتيًا مميزًا ومعقدًا، شكل لغة هجينة وبليغة استمدت خصائصها من البناء الفني الجمالي لتكوين الصورة الخيالية. وهذا ما حاولنا تحليله وفهمه في هذه الدراسة من خلال تفكيك مستويات الخطاب البلاغي في قصة الفيلم الكرتوني "بياض الثلج"، الذي تميز بخطاب قوي ومؤثر في جميع مستوياته البلاغية التعبيرية. حيث يتضمن قيمًا جمالية وأخلاقية وإنسانية مثل: المحبة، التسامح، العفة، الصداقة، والاحترام، والتي تجسدت جميعها في شخصية بياض الثلج كرمزية للخير والصبر والأمل. Les arts visuels en général, et en particulier le cinéma, interagissent avec la littérature en en tirant des méthodes rhétoriques et expressives qui confèrent au texte cinématographique un pouvoir expressif distinct, tant du point de vue de la rhétorique que de la connotation. En effet, le récit littéraire, et plus particulièrement le roman populaire, a toujours été une source d'inspiration pour la construction de nombreuses histoires de films d'animation et de récits imaginaires. Toutefois, le récit cinématographique a développé un style visuel et sonore distinct et complexe. Il s'est constitué un langage hybride et éloquent, qui tire ses spécificités de la construction esthétique et artistique de l'image imaginaire. C'est ce que nous avons cherché à analyser et à décoder dans cette étude, en déconstruisant les niveaux de discours rhétorique du film d'animation Blanche-Neige, caractérisé par un discours puissant et influent dans tous ses niveaux d'expression rhétorique. Ce discours inclut des valeurs esthétiques, morales et humaines telles que l'amour, la tolérance, la chasteté, l'amitié et le respect, qui sont toutes incarnées à travers le personnage de Blanche-Neige, une image idéale et symbolique du bien, de la patience et de l'espoir. Visual arts in general, and cinema in particular, interact with literature, drawing from it rhetorical and expressive methods that give the cinematic text a distinctive expressive power in terms of both rhetoric and connotation. The literary narrative, particularly the popular novel, has always inspired the creation of many animated and imaginative stories. However, the filmic narrative has adopted a distinct and complex visual and sonic style. It has developed a hybrid and eloquent language, drawing its characteristics from the aesthetic and artistic construction of the imaginary image. This is what we attempted to understand and decode in this study by dismantling the rhetorical discourse levels of the animated film Snow White, which is characterized by a powerful and influential discourse in all of its expressive rhetorical levels. The film incorporates aesthetic, moral, and human values such as love, tolerance, chastity, friendship, and respect, all of which are embodied through the character of Snow White in an idealized, imaginary image as a symbol of goodness, patience, and hope. mer., 27 nov. 2024 20:25:28 +0100 https://aleph.edinum.org:443/13341 https://aleph.edinum.org:443/11874 jeu., 02 mai 2024 09:53:44 +0200 https://aleph.edinum.org:443/11874 https://aleph.edinum.org:443/13511 jeu., 05 déc. 2024 18:22:43 +0100 https://aleph.edinum.org:443/13511